Connue pour ses représentations saisissantes d'espaces urbains, Gillian Richards allie touche spontanée et regard attentif. Dans cet entretien, elle parle de couleur, de processus, d'improvisation et du défi de trouver des moments de beauté et de connexion dans les paysages ordinaires de la vie urbaine quotidienne.

Comment vos années en tant que peintre de décors dans l'industrie cinématographique ont-elles influencé votre approche de la peinture aujourd'hui ?

Ce travail a été une excellente formation technique pour de nombreux aspects de la peinture. J'ai appris le mélange des couleurs ainsi qu'une grande variété de matériaux et d'approches picturales. Chaque projet exigeait improvisation et invention. L'autre aspect du travail consistait à collaborer avec d'autres artistes sur d'immenses toiles de fond ou des fresques. C'est à travers ces projets que j'ai appris à représenter des objets et de l'architecture de manière large et rapide. Travaillant souvent au sol, nous utilisions des rouleaux ou de grands pinceaux fixés à des manches pour poser rapidement les grandes formes. Parfois, certaines parties d'une toile de fond me semblaient ressembler à une peinture abstraite, mais en prenant du recul, l'image se recomposait en quelque chose de reconnaissable. J'adore cela dans toute peinture : la vue rapprochée d'une œuvre se fragmente en quelque chose d'abstrait.

Vous travaillez souvent sur un fond coloré, souvent orange vif ou rose. D'où vient cette habitude, et qu'apporte ce fond à une peinture que le blanc n'apporterait pas ?

J'ai d'abord utilisé un fond conventionnel de sienne brûlée ou naturelle lorsque je faisais de la peinture de paysage en plein air, il y a des années. Plus tard, j'ai commencé à expérimenter des fonds plus insolites comme le rose vif, l'orange vif ou le vert lime éclatant. Travailler sur un fond coloré a plusieurs effets : là où les bords des formes et des objets se frôlent presque et que le fond coloré transparaît entre les formes, une sorte de vibration chromatique peut se produire. L'autre avantage d'un fond coloré réside dans son influence sur les couches de couleur peintes par-dessus. Pour obtenir des couleurs lumineuses, j'utilise des couches semi-transparentes dans certaines zones de mon travail afin que le fond transparaisse.

Vous photographiez votre environnement quotidien avec votre téléphone. Qu'est-ce qui vous arrête net lors d'une promenade ou d'une course ?

Cela peut être la façon dont une ombre tombe sur un mur ou un trottoir et se déplace sur et autour des formes, en délimitant leur volume de manière intéressante. Je cherche aussi des compositions de lumière et d'ombre dans mon environnement quotidien. Je photographie parfois des objets comme une antenne cellulaire, une grande enseigne électronique ou des barrières de chantier pour leurs formes intéressantes. Je perçois ces objets comme sculpturaux, parfois un peu absurdes, et pourtant si ordinaires. Alors, lorsque je les photographie, j'imagine aussi comment jouer avec cet aspect d'absurdité.

Décrivez-nous votre processus créatif, de l'idée initiale à l'œuvre achevée.

Je trie les nombreuses photos que je prends et sélectionne celles dont la composition est la plus intéressante et le sujet le plus saisissant. Je les examine en noir et blanc avec l'application de retouche de mon téléphone pour mieux voir la composition, ou je les retourne, ce qui m'aide également à voir. À partir de là, je fais quelques esquisses pour ajuster la composition et déterminer si l'image fonctionnera comme tableau et quel format de toile conviendra le mieux.

Sur un fond coloré appliqué sur la toile, je trace l'image au crayon à partir de la photo projetée. Je fais des modifications à ce stade, en déplaçant légèrement certains éléments. J'utilise un gris de Payne dilué pour bloquer les zones les plus sombres et délimiter les grandes formes avec des lignes. À partir de là, j'aime utiliser de grands pinceaux pour « poser » les grandes formes et établir rapidement la composition. J'expérimente depuis peu d'autres outils que les pinceaux, comme des rouleaux et des pinceaux en mousse, pour couvrir ces grandes zones de couleur.

Je peins de façon assez intensive le premier jour, puis pendant deux ou trois jours supplémentaires je travaille plus lentement, en décidant quelles zones doivent être accentuées ou simplifiées. Je progresse vers les zones de détail, en en réservant généralement le rendu pour la fin. Parfois, j'arrive à une impasse aux trois quarts du travail et je dois mettre la toile de côté pour en commencer une nouvelle. Il peut s'écouler des semaines ou des mois avant que je sois en mesure de regarder la peinture avec suffisamment de recul pour voir ce qu'il lui manque pour être achevée.

Dans votre travail, vous cherchez souvent à réduire les formes architecturales à leur essence. Qu'est-ce qui guide ce processus de simplification, et comment décidez-vous des éléments à conserver ou à laisser de côté ?

Mes décisions concernant les formes architecturales à simplifier interviennent tôt dans mon processus, lorsque j'envisage la composition dans son ensemble. Au fil de la peinture, il devient évident ce qui doit être mis en valeur avec plus de détails et ce qui doit être simplifié.

Vous travaillez principalement à l'acrylique. Pourquoi ce médium plutôt qu'un autre ?

Je travaille habituellement à l'acrylique, mais depuis un an je suis revenue à l'huile. J'y suis revenue parce que j'essayais de faire se comporter la peinture acrylique comme de la peinture à l'huile, en la maintenant humide ou « ouverte » le plus longtemps possible en la vaporisant continuellement et en posant ma toile au sol pour que la peinture ne coule pas. Les deux médiums ont leurs avantages, et je suis à un point où je n'arrive pas à choisir lequel utiliser. C'est devenu une décision tableau par tableau ces derniers temps.

Vous parlez de « réconciliation » avec le paysage urbain. La peinture est-elle, pour vous, une façon de rendre la ville plus vivable ou plus humaine ?

Oui, je pense que c'est une bonne façon de le formuler. Il existe dans la ville des espaces désolés qui peuvent être assez inhumains. J'essaie de rester attentive et ouverte à percevoir des aspects intéressants et des possibilités de composition dans ces espaces. Cela rend la vie au milieu de notre environnement urbain centré sur la voiture moins hostile. Bien sûr, il y a aussi de beaux endroits dans ma ville, mais je prends comme un défi ludique de voir les parties « laides » comme intéressantes.

Nommez un artiste, contemporain ou non, qui vous inspire, et dites-nous pourquoi.

Mon préféré est le peintre américain moderniste Richard Diebenkorn. Il revient comme favori chez de nombreux artistes que je connais. Ses compositions sont brillantes, sa façon de manier le pinceau est libre et immédiate (sans chichis !) et ses couleurs sont fraîches. Ses peintures me donnent l'impression d'être remplies d'air.

Parlez-nous de vos projets ou expositions à venir.

Je participe actuellement à une exposition à deux avec Emilie Fantuz jusqu'au 30 mai, à la galerie Pendulum. Exposition à la galerie Pendulum - en cours

Début septembre, je participerai à une exposition collective de quatre peintres à Viva Alliance à Vancouver. https://vivaalliance.ca/

En avril 2027, j'aurai une exposition solo à la galerie This à Vancouver. https://thisgallery.org

Cette année, je participerai également à l'Eastside Culture Crawl de Vancouver. Il s'agit d'un grand événement annuel dans cette ville où des centaines d'artistes ouvrent leurs studios au public pendant le week-end de la mi-novembre. Eastside Culture Crawl

Pour en savoir plus sur le travail de Gillian Richards : Site web et Instagram.

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