L'artiste canadien David Shepherd a bâti une carrière singulière en alliant une formation classique à un hyperréalisme saisissant. Dans cette entrevue, il revient sur les enseignements qui ont façonné son parcours artistique, les inspirations derrière ses portraits floraux baignés de lumière, ainsi que sur la manière dont la discipline, la philosophie taoïste et l'ambition continuent de guider son travail.

Vous avez commencé votre carrière en tant qu'artiste autodidacte avant d'étudier pendant quatre ans à l'Academy of Realist Art. Quel impact ce choix a-t-il eu sur votre carrière?

Je pense que cela a eu un impact considérable sur ma carrière. Le fait de présenter mon travail dans un cadre professionnel m'a donné beaucoup d'espace mental pour planifier ma carrière pendant que j'étais encore aux études. Il y a toutes ces expériences liées aux échanges avec les galeries, les ateliers d'encadrement, les clients, ainsi qu'au fait de multiplier les démarches pour faire avancer les choses. C'est un apprentissage essentiel que traverse toute personne qui lance son entreprise au début de son parcours. Pendant mes études, j'ai pu combiner les compétences que j'acquérais avec cette expérience afin d'élaborer une structure qui me permettrait de bâtir une carrière.

Quelle est la plus grande leçon technique que vous avez apprise à l'Academy of Realist Art et qui demeure aujourd'hui au cœur de votre démarche?

La leçon la plus importante est de toujours travailler du plus grand au plus petit. En dessin, par exemple, on commence par les formes ou les lignes les plus simples et les plus importantes d'un objet. Une fois que ces grandes lignes ou formes sont correctement placées, à la bonne taille et au bon angle, on peut ensuite les subdiviser progressivement en éléments de plus en plus petits avec confiance, en sachant que tout est déjà bien positionné et proportionné.
Fait intéressant, j'ai constaté que cette approche du « grand vers le petit » s'applique à bien d'autres aspects de la vie. Par exemple, lorsqu'on apprend quelque chose de nouveau, il vaut mieux maîtriser les bases avant de s'attarder aux détails. De la même façon, lorsqu'on planifie sa vie, il est préférable de définir d'abord ses grands objectifs avant de réfléchir aux détails. C'est un principe qui fonctionne remarquablement bien dans de nombreux domaines.

Vous avez choisi d'explorer l'hyperréalisme. Qu'est-ce qui vous a poussé vers ce choix esthétique?

J'avais du succès auprès des galeries canadiennes avec des œuvres relevant du réalisme traditionnel ou mêlant différents styles picturaux au réalisme. En revanche, je n'arrivais tout simplement pas à intégrer les galeries américaines. Or, leur marché est beaucoup plus vaste que celui du Canada, et je voulais absolument y accéder. J'avais exposé avec différents groupes, comme Oil Painters of America ou la National Oil and Acrylic Society, mais jamais dans des foires d'art ou des galeries américaines. Après réflexion, j'ai compris qu'il y avait déjà énormément d'artistes qui pratiquaient le réalisme traditionnel. Il fallait donc que je propose quelque chose qui attire immédiatement l'attention, qui se démarque réellement. J'avais découvert le travail de Mike Dargas, qui m'a d'abord intéressé à l'hyperréalisme. Mais l'artiste qui m'a le plus inspiré dans ce domaine est sans aucun doute Marlyn Minter. Je trouve que son travail est extrêmement émouvant sur le plan émotionnel, tout en étant d'une qualité technique exceptionnelle, ce qui est très important pour moi. Voir ses tableaux m'a donné envie de créer des œuvres aussi fortes sur le plan émotionnel.

D'où est venue l'idée de cette série de gros plans de visages cachés sous des fleurs, avec cette lumière si particulière?

Lorsque j'ai commencé à réaliser des peintures hyperréalistes, je ne savais pas exactement quelle direction prendre. J'ai d'abord créé une petite série montrant différents liquides versés sur le visage de mes modèles. Ces tableaux pouvaient paraître très sensuels, mais je savais que je devais créer quelque chose qui me ressemble davantage. J'avais l'impression d'imiter ce qui existait déjà, et cela ne correspondait tout simplement pas à ma personnalité. Je suis donc allé m'asseoir dans un café pour réfléchir à ce que je pourrais faire. L'idée m'est venue spontanément : représenter un œil vu de très près, entouré de fleurs, de manière à ce qu'il soit difficile de savoir s'il appartient à un homme ou à une femme. J'aimais beaucoup cette idée d'utiliser les fleurs. J'ai d'abord réalisé quelques tableaux sans l'effet de prisme lumineux, avant de décider que ce serait un ajout à la fois esthétique et symbolique qui enrichirait les œuvres.

Vous êtes représenté par des galeristes au Canada comme aux États-Unis. Quelles sont les principales différences entre ces deux marchés en ce qui concerne les goûts des collectionneurs?

Le Canada et les États-Unis se ressemblent dans le sens où les préférences varient selon les régions. Mais si je devais identifier une différence majeure entre les deux pays, je dirais qu'aux États-Unis, les gens adorent la peinture représentationnelle. Il s'agit d'une forme de réalisme beaucoup plus libre. Au lieu de chercher à reproduire la réalité de manière parfaitement fidèle, les coups de pinceau demeurent visibles tout en offrant une représentation très juste du sujet. D'après ce que j'ai pu observer, il est difficile de remporter des prix en réalisme là-bas si l'on ne peint pas dans ce style représentationnel. À l'inverse, au Canada (tout comme au Royaume-Uni), on apprécie généralement davantage une peinture beaucoup plus précise et minutieuse.

Vous êtes adepte de la philosophie taoïste. Comment celle-ci influence-t-elle votre rapport à la peinture, un médium qui exige énormément de patience et de maîtrise?

Le taoïsme parle de l'action sans la pensée. C'est vrai pour toute personne qui atteint un très haut niveau de compétence dans un domaine, et cela l'est aussi pour moi. Lorsque je peins, je réfléchis très peu. Mon esprit détermine en une fraction de seconde ce qu'il faut faire, mais le geste même de dessiner ou de peindre ne demande plus de réflexion consciente. Là où le taoïsme a eu le plus d'influence, c'est surtout sur ma façon de voir les choses et sur ma psychologie, ce qui se reflète dans mes choix de composition et de style.

Y a-t-il un artiste en particulier qui vous inspire? Et pourquoi?

Lorsque j'étais plus jeune, c'étaient Dali, Rembrandt, Caravage, Titien, Vermeer… Beaucoup de grands maîtres dont je découvrais les œuvres dans les livres m'ont donné envie de devenir peintre. Je me disais que, si cela ne fonctionnait pas, je pourrais toujours enseigner, mais que je voulais au moins apprendre à peindre aussi bien qu'eux. Cette idée me fascinait. Plus tard, comme je l'ai mentionné à propos de l'hyperréalisme, Marlyn Minter a réalisé plusieurs séries de tableaux absolument extraordinaires. J'ai très hâte de pouvoir en retrouver certaines et de les voir en personne.

Avez-vous des projets ou des expositions à venir dont vous aimeriez nous parler?

Je travaille actuellement avec la galerie Vancouver Fine Art, qui vient tout juste de déménager dans un emplacement beaucoup plus intéressant sur Granville Island. J'ai hâte de découvrir la nouvelle galerie une fois les rénovations terminées. Même si je collabore déjà avec plusieurs galeries, je cherche actuellement une galerie permanente à Londres, en Californie ou à Miami. Cet automne, je vais poursuivre mes démarches et présenter de nouvelles œuvres à plusieurs galeries.

Pour découvrir davantage le travail de David Shepherd : son site web et son compte Instagram.

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