La plupart des gens passent sans même remarquer les endroits qui inspirent Allan Thomas. Attiré par les vieilles devantures de magasins, les enseignes défraîchies, les graffitis et les bâtiments marqués par le temps, il trouve de la beauté dans les coins oubliés de la ville. Nous avons discuté avec Allan de son processus créatif, du scratchboard, des murales et de son amour des paysages urbains.

Vous peignez souvent des lieux urbains que les gens traversent sans vraiment les remarquer. Qu’est-ce qui vous attire dans ces espaces ordinaires et souvent négligés?

Je suis toujours à la recherche d’endroits oubliés. Je n’aime pas peindre des monuments ou des lieux emblématiques de la ville. Ce qui attire mon attention, ce sont les enseignes intéressantes, l’architecture, les graffitis, et j’aime particulièrement les endroits mal entretenus où l’on trouve de nombreuses couches de vieille peinture et de textures.

Vous vous décrivez comme un artiste réaliste contemporain. Que signifie pour vous le terme « réalisme contemporain » et comment votre approche a-t-elle évolué au fil des années?

Un réaliste contemporain, c’est simplement quelqu’un qui travaille dans un style réaliste à notre époque. Tout au long de l’histoire, il y a toujours eu des artistes qui ont travaillé de manière réaliste; seules les méthodes et les sujets ont changé.


Je m’identifie surtout comme peintre de paysages urbains. Le terme « réaliste » est très large, et je ne sens pas vraiment de lien avec les artistes qui réalisent, par exemple, des portraits réalistes ou des natures mortes.

Je pense que j’aborde mon art de la même manière que je l’ai toujours fait. C’est simplement qu’après tant d’années de pratique, je gagne constamment en confiance et je crois m’améliorer dans tous les aspects du processus, du choix des sujets et de la prise de photos jusqu’aux techniques de peinture que j’utilise.

Vous travaillez à la fois à l’huile sur panneau de bouleau et en scratchboard, deux médiums très différents. Qu’est-ce qui vous attire dans le scratchboard et qu’est-ce qu’il vous permet d’exprimer différemment de la peinture à l’huile?

J’ai toujours aimé le travail en noir et blanc. Lorsqu’on dispose d’une bonne image de départ, le résultat est toujours très dramatique.


J’aime décrire le scratchboard comme l’opposé du dessin à l’encre. Au lieu d’ajouter de l’encre, je la retire en la grattant. C’est une technique très impitoyable: il faut constamment réfléchir à ce que l’on fait, car une fois la surface grattée, il est impossible de revenir en arrière.

C’est une différence majeure entre les deux médiums. Lorsque je peins à l’huile, je travaille par couches et j’utilise une variété de techniques. C’est beaucoup plus libre. Si je fais une erreur, je peux toujours revenir en arrière et la corriger.

Can you tell us about your creative process, from the initial idea to the completion of a work?

Je suis constamment à l’affût de bâtiments intéressants. Quand je voyage, j’aime parcourir la ville en voiture à la recherche de sujets. Une fois que je trouve quelque chose, je prends beaucoup de photos, que je réduis finalement à une seule image.
Au moment de commencer une peinture, j’ai déjà passé beaucoup de temps à réfléchir à ce qui doit être fait et aux éventuelles modifications qui pourraient améliorer l’œuvre.


Je réalise ensuite un dessin préparatoire. Les photos déforment souvent les bâtiments, alors je corrige ces distorsions. Je dois me demander, par exemple, si un lampadaire semble penché à cause de la photo ou si c’est réellement son apparence. Je ne veux pas modifier l’atmosphère qui m’a attiré vers cet endroit au départ.


Après cela, je bloque les couleurs principales, puis je continue à travailler la peinture, en corrigeant certains éléments et en ajoutant davantage de détails jusqu’à ce qu’elle soit terminée.

Vous avez plus de 25 ans d’expérience comme muraliste, au Canada comme à l’international. Comment le travail à une échelle monumentale a-t-il influencé votre approche de vos peintures plus petites et très détaillées?

Les deux pratiques sont tellement différentes que je ne suis pas certain qu’elles s’influencent réellement.
Pour les murales, j’utilise de gros pinceaux ainsi que des peintures au latex et à l’acrylique. Je travaille sur des échafaudages ou des plateformes élévatrices. Souvent, je suis à l’extérieur et je dois composer avec toutes les conditions météorologiques possibles. Il peut faire trop chaud, trop ensoleillé, ou encore être venteux et pluvieux. Cela rend parfois le travail plus difficile.

Je suis toujours surpris de constater qu’une grande murale peut être réalisée en une ou deux semaines, alors qu’une peinture à l’huile de 4 x 4 pieds peut prendre un mois.

Une différence importante est que les murales sont généralement réalisées avec mon frère Dave Thomas. Il s’agit donc d’un travail collaboratif. Nous travaillons tellement bien ensemble que le résultat donne toujours l’impression d’avoir été peint par une seule personne.

Cela dit, une chose relie les deux pratiques: lorsque je réalise des murales dans différentes villes, je passe beaucoup de temps à explorer les environs, et ce sont souvent ces découvertes qui deviennent plus tard les sujets de mes peintures.

Après plus de 25 ans à travailler les murales et les paysages urbains, qu’est-ce qui continue de vous surprendre ou de vous inspirer dans les villes?

Lorsque je visite une nouvelle ville, c’est toujours excitant de la découvrir avec un regard neuf. Je ne sais jamais si je vais trouver un sujet qui deviendra une peinture, mais cela finit toujours par arriver.

J’aime généralement explorer les quartiers les plus défavorisés de la ville, car c’est là que se trouvent les endroits les plus intéressants. Dans les secteurs moins bien entretenus, on trouve des bâtiments usés par le temps, couverts de graffitis, plutôt que les grandes enseignes brillantes des quartiers plus aisés.

Y a-t-il un artiste qui vous inspire particulièrement? Qu’admirez-vous dans son travail?

J’aime énormément de styles artistiques différents. Parmi mes peintres préférés, on retrouve Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol, Justin Mortimer, Kent Williams, Phil Hale, Andrew Wyeth et Robert Rauschenberg.

Il y en a tellement que je ne pourrais pas tous les nommer. Mais lorsqu’il s’agit du type de travail que je fais et de l’artiste qui influence le plus ma pratique, ce serait sans aucun doute Rod Penner.

J’admire autant ses sujets, qui représentent des lieux du quotidien, que sa manière de les peindre. Parfois, lorsque je dois peindre un chemin de gravier ou un sujet semblable, je vais regarder son travail pour m’inspirer. Cela me donne une référence, un niveau de qualité vers lequel je dois tendre dans mon propre travail.

Une autre grande source d’inspiration est mon frère aîné Dave. C’est un artiste remarquable qui m’a toujours poussé à m’améliorer. Sur le moment, je n’avais pas toujours envie d’entendre ses critiques, mais elles ont certainement contribué à faire de moi un meilleur artiste.

Avez-vous des projets ou des expositions à venir dont vous aimeriez nous parler?

Oui, j’ai une exposition qui débute le 6 novembre à la Peter Robertson Gallery, à Edmonton.

J’en suis très enthousiaste, car je crois que le travail que je présente compte parmi mes meilleures réalisations à ce jour. J’ai choisi des sujets particulièrement intéressants, avec beaucoup de façades de commerces et toutes ces réflexions dans les vitrines qui sont toujours si difficiles à peindre.

Comme l’exposition se tient dans ma ville natale, ce sera aussi agréable de pouvoir compter sur la présence de ma famille et de mes amis.

La galerie est également un lieu qui compte beaucoup pour moi. J’y ai passé une bonne partie de ma vie à admirer les artistes qu’elle représente. Le fait d’y exposer aujourd’hui est très significatif. C’est la preuve que beaucoup de travail et de persévérance peuvent porter leurs fruits.

Pour découvrir davantage le travail d’Allan Thomas : Site Web & Instagram.

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