Rejoignez-nous pour une conversation approfondie avec Armando Cabba, un artiste basé à Paris dont la peinture gravite autour de l'intimité et de l'érotisme. Qu'il s'agisse de défier la censure sur les plateformes grand public ou de pionnier de l'éducation à l'art érotique sur Pornhub, Cabba navigue sans crainte dans le monde de l'art contemporain. Découvrez son approche unique de la création et sa perspective sur l'honnêteté dans l'art.
Votre œuvre est riche en thèmes qui invitent à la réflexion. Pourriez-vous nous parler des sujets principaux que vous avez explorés par le passé, ceux que vous abordez actuellement, et les thèmes dans lesquels vous envisagez de vous plonger à l'avenir ?
Je pense qu'une grande partie de mon travail tourne autour du thème de l'intimité. Qu'il s'agisse d'un autoportrait, d'une œuvre érotique ou d'un portrait en général, il est question de proximité et du dialogue de la connexion. Même la façon dont je travaille est intime : je suis seul avec la toile pendant de longues périodes. Une partie de moi trouve étrange que les gens me demandent quand une œuvre est terminée, car c'est comme me demander quand je vais mettre fin à une relation. C'est l'équivalent de dire "Quand allez-vous rompre ?". Je vais continuer à explorer le portrait de manière réaliste ainsi que l'art érotique, mais je souhaite me pencher davantage vers une forme d'abstraction, comme on le voit dans ma pièce intitulée Civil. Il semble y avoir plus de liberté et d'espace pour laisser les émotions s'exprimer sans être trop ancré par la technique. Je ne trouve pas la technique problématique ou une forme d'obstacle, mais j'ai l'impression de pouvoir amplifier d'autres éléments de l'œuvre. Une nouvelle profondeur apparaît et je veux voir ce qui se passe. Au cours des derniers mois, j'ai eu l'idée de tout combiner dans une direction qui a à voir avec la sainteté et le travail du sexe. Un écho à l'une de mes inspirations, Toulouse-Lautrec. Je me souviens de mon séjour à Florence, regardant ces immenses autels de figures idolâtrées. Je suis attiré par le cadrage et les aspects physiques de ces pièces. Mon idée de brouillon pour le moment est d'introduire cet élément en ce qui concerne le format et d'y apporter ma propre touche. Une grande partie de mon travail n'existerait pas sans les travailleuses du sexe et je pense que c'est une façon d'explorer cette admiration que j'ai en créant presque une série hommage. Nous verrons où les choses iront dans un avenir proche.
"The JOI of Painting" est une série de vlogs que vous animez sur Pornhub. De quoi s'agit-il exactement ?
La réponse courte est que "The JOI of Painting" est une série de peinture en ligne hébergée sur Pornhub où j'enseigne aux gens comment peindre de l'art érotique. C'est aussi un peu un journal intime et un aperçu du processus de cette série dans son ensemble. C'est un peu différent de peindre quand la caméra tourne, mais c'est vraiment quelque chose à partager avec le public. J'ai toujours trouvé que c'était un bon test si vous pouviez expliquer ce que vous faites à quelqu'un d'autre dans l'espoir qu'il apprenne. Je ne "gate keep" pas la peinture de vulves. Mon art est peut-être admirable, mais je suis ravi de voir d'autres personnes créer et vouloir exploiter ce côté artistique d'elles-mêmes. Surtout avec la censure accrue en ligne, vous pouvez le peindre vous-même pour le maintenir en vie. Si je peux être un tremplin dans l'histoire de quelqu'un d'autre, c'est un énorme compliment pour moi.
Vous avez déjà été confronté à la censure. Considérez-vous une plateforme comme Pornhub comme un espace de liberté d'expression inconditionnelle ? De plus, avez-vous observé une augmentation de la censure ou des restrictions éditoriales sur les plateformes grand public, comme Instagram, au cours des deux ou trois dernières années ?
Je trouve Pornhub une plateforme amusante sur laquelle créer, étant donné qu'elle est probablement l'une des seules à se soucier de la sécurité de ses utilisateurs, par opposition à la simple punition de quiconque enfreint la définition en constante évolution des "directives communautaires". Il y a une différence entre s'assurer que les vidéos sont vérifiées et que les formulaires de consentement sont signés, et Meta qui supprime les garanties de vérification des faits et permet à l'abus d'exister et d'être promu sur ses plateformes. À l'ère de la discrimination numérique et de la censure de masse, Pornhub a réagi. Je peux respecter leur processus de sélection et leurs règles, car ils offrent une transparence sur la façon dont les choses sont gérées et pourquoi. Les vagues de suppressions et de publications signalées n'ont fait qu'augmenter sur les principaux sites de réseaux sociaux, notamment Instagram. Partager mon art, que je suive ou non leurs règles, me semble perpétuellement un risque. C'est une anxiété qui vient de la gouvernance des plateformes, ainsi que de la montée de la panique morale et des lois strictes. Les créateurs jouent leur existence numérique et n'ont pas leur mot à dire sur la façon dont les choses sont mesurées et punies, et ne reçoivent presque aucune explication. Sur le plan éditorial, même lorsqu'il s'agit du site web personnel de quelqu'un qui souhaite présenter mon travail, il ne prend pas le risque, car il ferait la promotion du lien via Instagram, même s'il n'est pas directement sur leur plateforme. On a toujours l'impression que c'est la saison ouverte, car Dieu nous en préserve si nous reconnaissons que les tétons existent.
En tant que Montréalais d'origine, ayant travaillé en Italie et maintenant basé à Paris, quelles sont les principales différences que vous avez observées sur le marché de l'art dans ces trois lieux, et comment cela a-t-il un impact sur la réception de votre travail ?
J'ai ressenti un changement très rafraîchissant en ce qui concerne la mentalité lorsque je suis passé de Montréal à l'Europe concernant la perception d'être un artiste. Malgré le cadre, on me posait toujours des questions très intrusives sur le sujet des finances au Canada. "Où habites-tu et quel est ton loyer ?" "As-tu un travail à côté ?" "Tes parents approuvent-ils cette carrière et la soutiennent-ils ?" Ce n'est pas une exagération quand je dis que ces questions étaient posées dans les 5 premières minutes de conversation avec quelqu'un, même lors d'un vernissage. Depuis que je vis ici à Paris, je trouve que les gens ont plus de compréhension et de respect pour les artistes. J'ai été accueilli avec le même niveau d'intrigue et de reconnaissance en conversation que lorsque quelqu'un parle à quelqu'un qui a une carrière dans n'importe quel autre domaine. Les enfants font constamment des sorties scolaires dans les grands musées et l'histoire de l'art est leur histoire. Je suis toujours ravi d'entendre quelqu'un me parler de la vie d'un artiste qu'il admire. Ils n'hésitent pas à mentionner les références qu'ils voient dans mon travail et à me ramener dans le passé lorsque ils ont vu ces expositions en personne pour la première fois. Montréal compte des artistes talentueux, dont certains avec lesquels j'ai eu l'honneur de travailler. Le marché en Europe semble plus ouvert et vous n'êtes pas confronté au même niveau de réticence lorsqu'il s'agit de fixer le prix de votre travail. Cela ne veut pas dire que cela n'existe pas, mais c'est plus une rareté qu'un individu se disputera avec moi ou essaiera de m'insulter pour réduire mon prix de quelques centaines d'euros.
Veuillez décrire une journée typique à votre atelier et décrire votre processus créatif global.
Ma journée moyenne en studio n'est ni glamour ni romantique de mon point de vue, mais c'est peut-être parce que je le fais tous les jours. Je ne suis pas du genre à attendre qu'un projet soit prêt ou à être frappé par un éclair d'inspiration. Quand vous venez à mon studio, il y a toujours des supports apprêtés et prêts à l'emploi. La journée commence généralement pour moi vers 8h30, je me lève et prends mon triple expresso avant d'aller à la salle de sport. Je suis de ceux qui croient qu'il est important d'avoir un espace en dehors du travail et de la maison pour faire quelque chose de physiquement bénéfique pour soi-même. J'ai souffert d'une blessure au dos il y a quelque temps, donc pour pouvoir rester assis longtemps et être fonctionnel, j'ai besoin de faire des exercices de mobilité. Les matins sont strictement pour moi, où je peux être conscient de moi-même sur le plan physique tout en évitant les appels ou les e-mails jusqu'à ce que je rentre chez moi. Je prends mon premier repas vers midi et fais tout le travail de bureau dont j'ai besoin avant d'arriver au studio à 13h30 où je commence à travailler. Fumer ma première cigarette de la journée est comme le début d'un rituel. Je m'habille avec mes vêtements tachés de peinture, sentant la peinture séchée sur moi, et décidant ce que je veux accomplir pour la journée. Je sais que je peux procrastiner quand mes objectifs sont trop clairs, mais je m'y mets tout de suite en mélangeant les peintures et en me concentrant sur la sensation que j'aurai à la fin de la journée quand je l'aurai terminée. Jusqu'à 19-20h, c'est très méditatif dans le studio. Malgré un défi concernant la peinture, je ne me sens jamais effrayé. L'anxiété n'a pas sa place dans mon esprit quand je pense autant à mon sujet. Je pensais qu'il fallait être "dans la zone", mais il suffit d'être présent. Il faut se montrer. Toutes ces inquiétudes et petites excuses n'ont pas d'importance quand je sors mes clés pour ouvrir le studio. Elles ont soudainement disparu ou sont si petites que je ne peux même plus les voir.
Vous définissez le "bon" art comme étant "honnête". Comment définissez-vous et réalisez-vous ce concept d'honnêteté dans l'art ?
Beaucoup de cela a à voir avec les médias sociaux et l'intention. L'art honnête, c'est voir quelque chose créé par l'artiste pour des raisons bien plus grandes qu'eux-mêmes. On peut dire que c'est un appel ou simplement qu'ils se consacrent à répondre à une question par la pratique. Voir des artistes qui publient des œuvres similaires encore et encore, sans aucune variation ni prise de risque, devient ennuyeux. Bien sûr, ils ont tout l'engagement, le soutien du public, les opportunités, etc., mais continuez-vous à créer quand personne ne regarde ? Prendrez-vous ce pinceau tous les jours sachant que personne ne verra ce que vous faites ? Y a-t-il quelque chose de profond en vous qui vous pousse à faire ce que vous faites ? C'est ça, le travail honnête pour moi. J'admire les artistes qui créent quelque chose qui "fait un flop" parce que cela me montre qu'il y a une évolution ou du moins la première étape vers quelque chose qu'ils veulent faire. Nous atteignons tous un plateau de temps en temps, mais si nous y restons trop longtemps, ce plateau ressemble à un arrêt cardiaque. Mon cerveau est satisfait de regarder ces vidéos documentant les processus créatifs et des extraits de travail, mais j'ai toujours envie de voir l'œuvre dans son intégralité. Je compare cela à la comédie où le travail avec le public a éclipsé tout le spectacle. Oui, vous êtes bon dans cette chose et cela donne une poussée de dopamine, mais quel est le spectacle ? Il y a plus que cela. J'ai eu du mal à me séparer davantage du public et à ne pas trop tenir compte des algorithmes. J'avais l'habitude de terminer une peinture et de courir la documenter pour pouvoir la partager. Cela fait maintenant partie de ma pratique de passer du temps avec elle seul et de l'assimiler. J'obtiens quelques likes, mais cela ne devrait pas être un facteur décisif pour savoir si je continue à créer ou non.
Quels artistes admirez-vous particulièrement pour cette qualité d'honnêteté dans leur travail ?
Ma première grande admiration fut Rembrandt. Voir ses portraits quand j'étais au lycée pour la première fois m'a époustouflé à cause de son utilisation de la lumière et de l'ombre, mais surtout à quel point ils étaient humains. Ce n'est pas seulement un accomplissement technique, mais le fait de se voir comme une personne plutôt qu'un sujet est fou. On le voit vieillir et traverser la vie avec chaque œuvre et chaque coup de pinceau. Plus tard, j'ai découvert Lucian Freud et son approche et le temps passé avec les modèles. Presque sculpter le temps avec de la peinture. Montrer ces moments très réels et bruts qu'on ne peut pas simuler ou effacer. Le grand nom après cela fut Francis Bacon. Des œuvres d'une beauté obsédante et d'une honnêteté dévastatrice qui m'ont saisi dès que je les ai vues. J'ai progressé et surmonté ma peur de ce que signifiait "détruire" quelque chose en le déformant. La destruction est une forme de création. Ils ont été mes trois grands depuis longtemps. Il y en a beaucoup d'autres sur la liste auxquels vous pouvez clairement voir que je fais des clins d'œil dans mon propre travail, mais cela revient toujours à eux pour moi. J'ai 35 ans et ayant visité tant d'expositions qui m'ont clairement influencé, je vois toujours des parties d'eux dans tout. Je ne dis pas cela d'une manière qui diminue mes contemporains ou réduit leur propre talent. On dirait que nous avons tous ce plan très lâche de ces gars. Le dernier que je mentionnerai, qui est évident, est Bob Ross. L'art est accessible en dehors du milieu universitaire. L'aborder pour le plaisir et vouloir inclure les autres est si important. Pas de jargon ni de hiérarchie d'école d'art. Un homme voulait que le monde apprenne et éprouve de la joie, qui que vous soyez. Je le pense vraiment quand je dis qu'il est un maître pour moi à cet égard.
Compte tenu de la richesse de vos thèmes et du lien personnel profond entre votre travail et vos idées, considérez-vous votre art comme une forme d'activisme qui cherche à provoquer l'engagement du spectateur ?
Je pense que tout art, nouveau et ancien, peut être une forme d'activisme. Ils ont tous leurs histoires de création, et beaucoup sont encore pertinents aujourd'hui. La censure, c'est vouloir enseigner l'histoire de l'art à propos du David de Michel-Ange sans le montrer à cause de la nudité. Qu'on le veuille ou non, tout art est politique. Le fait de peindre des fleurs et des paysages est en soi un commentaire et peut activer votre public. Vous voulez dessiner en ce moment parce que vous n'aimez pas ce qui se passe avec l'IA ou vous ne pensez pas que c'est une bonne direction pour nous ? Félicitations, c'est une forme d'activisme. Bienvenue dans l'équipe. J'ai réalisé des œuvres très engagées en matière d'activisme, mais tout cela peut être de l'activisme, et il suffit de croire sincèrement en quelque chose. Défendre quelque chose peut être effrayant, et peut-être que le terme activisme est beaucoup pour certains en raison de la façon dont nous continuons à le définir. Parler avec vos voisins tous les jours construit une communauté, et c'est aussi de l'activisme. Je ne veux pas perdre l'intimité dans mon art, surtout dans un monde où les systèmes semblent conçus pour l'ôter aux gens. Ne vous laissez pas prendre aux termes et aux définitions concrètes, ainsi qu'aux mises en garde. Si vous croyez en quelque chose et que vous faites quelque chose dans votre vie, de manière créative ou non, vous êtes un activiste.
Pour en savoir plus et voir le travail d'Armando Cabba, visitez son site web et suivez-le sur Instagram.
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